And here it starts! Dexter Part One – The Killer

Dexter – I’m sure you know the series about the nice, next-door serial killer. I have started watching it again out of sheer lack of new and exciting stuff that grabbed my immediate attention and I got totally sucked into it again. Time after time it is a pleasure to watch, I must say.

Amongst all the blood and killing the nice colours and the witty dialogues create a rather soothing atmosphere. The show is certainly well written and has great story twists. It is all wrapped up in super witty dialogues, which surely is not going past me undetected and definitely not unappreciated.

Dexter: A beloved serial killer, abiding by his father code only to kill bad people. This allows him to escape police attention time after time, with a few near misses cleverly staged for TV drama effect.

In typical serial killer fashion, Dexter lacks empathy and therefore struggles to cope with basic human interaction. It gives an interesting insight into a mind, which lacks empathy and therefore is free from ego and the need to proof to the world his relevance. This is probably the most interesting undercurrent during the series and one of Dexter’s most faithful character traits. He plays a person who is lurking in the shadows, veiling as much of himself as possible and creating this Clark Kent persona with a devious twist.

I was wondering about that. Quite unusual – Most of us stride towards acknowledgement grasping for the limelight but what if we had no such desire? Humans are designed to crave acceptance from their peers. It is an evolutionary development that has helped us bond together in groups and master the challenges of our environment in order to survive as a species. It is probably at the heart of our human success story. To see an individual totally devoid of this need is rather interesting and opens up the question: What if we all were like that? Perhaps – total chaos?

Our killing hero is played by Michael Carlyle Hall (born February 1, 1971) who is also famous for his role in Six Feet Under, remember creepy series about burying people?

Unlike Dexter, Michael Hall could not avoid the spotlight, as he was responsible for a few headlines through his personal life. In 2008 he eloped with his Dexter costar Jennifer Carpenter who plays Dexter’s sister. I don’t know about you dear Sheep Readers, but after knowing this I never quite saw the two “siblings” the same way ever again… They divorced in 2010.

That was also the year when his spokes man revealed that Hall was diagnosed with Hodgkin’s lymphoma. He later stated that it was quite a shock to be diagnosed with this cancer at the age of 38 as his father died of the cancer with 39. In the same year a statement was released that he was in full remission and is looking forward to good health.

Another great touch is the uncanny head voice of Dexter Morgan. It let’s us in on what he is thinking which is often, (despite being murderously motivated) what all of us want to say out loud, characteristically spoken in a monotone manner. His struggle to get involved emotionally makes him extremely honest and likable and sometimes he reminds me of situations that I find myself in. Thinking that I should really pretend to care about other people’s drama and I just cannot bring myself to do so. Do you know that feeling, dear Sheep? When social convention dictates emotional involvement and you really don’t see the point why people make such a fuzz? Yes, sometimes I can relate to a fictional serial killer, not quite sure what that means. But fact is the show was very successful can only mean that others felt the same way. So we must all have a bit of sociopath in us.

Stay tuned for Part 2…

Confessions of a Sheep – Carolina’s TV-Corner – Overture

Welcome – sheep, shepherds and wolfs – to the TV corner.

This is a refuge for all those lost sheep who do not consider themselves affiliate to the highest school of movie art and connoisseurs of the haut cuisine of cinema.

This is the REAL world of TV, the trenches of the TV’s battle field. A reflection of societies’ good, bad and the ugly. It is shaken and stirred and certainly not for the faint hearted.

Let’s put it that way, if our much revered cinema blog is a filet with a white truffle sauce, the sheep’s TV corner is the metaphorical plate of pasta alternative, which may not particularly impress any critics but sure as hell is not letting you go home hungry. On the contrary! If you crave a good portion of gossip and some dirty, guilt ridden TV action you have found your salvation…

Here you will find the truth, half-truth and nitty gritty about reality TV, (of course a lot of speculation – the foundation of reality TV as we know it), TV Series reviews and some unfiltered personal opinions.

Enjoy.

 

Faithfully,

First sequence is coming soon!

Dexter  (2)

 

Russia today – Durak

In einem Rechtsstaat  ist aufrichtiges Verhalten erstrebenswert. In Russland wird es missverstanden, belächelt, in den Dreck gezogen. Davon erzählt der neue Streifen von Yurij Bykow „Durak“ („Blödmann“). Wie auch seine vorherigen Filme („Leben“, „Mayor“) ist es ein scharfes soziales Drama, in welchem ein Einzelner dem System zu trotzen versucht und dabei selbst zugrunde geht.

Der junge Regisseur dreht seine Filme fast im Alleingang. Bykow führ die Regie, schreibt selbst die Drehbücher, komponiert die Musik, macht den Schnitt und spielte sogar eine Hauptrolle („Mayor”, 2013).  Am liebsten würde er auch für die Lichtverhältnisse sorgen, – erklärt Bykow im Dezember 2014 dem russischen TV-Kinomagazin „Kinopoisk“  („Filmsuche“). Der Grund dafür ist banal. In Russland eine zuverlässige Filmcrew  aufzutreiben ist ein Ding der Unmöglichkeit. Es wird einfach viel zu viel und viel zu oft gesoffen. Deshalb übernimmt Bykow so viele Aufgaben selbst.

Viel zu viel und viel zu oft wird logischerweise auch in „Durak“ gesoffen. Das ist vermutlich eines der wenigen Verbindungselemente, das die zwei weit von einander entfernten Kasten, die regierenden Apparatschiken und das Volk, zusammenschweisst. Gesoffen wird in einem heruntergekommenen Wohnheim, wo Geschrei und Gejohle, Drogenkonsum und Schlägereien an der Tagesordnung sind. Gesoffen was das Zeug hält wird auch im noblen Restaurant, in welchem die regierende Bürgermeisterin ihren Geburtstag feiert. Zwischen diesen beiden Welten versucht der junge Bursche namens Dima (Artiom Bystrov, Bester Schauspieler in Locarno 2014)) verzweifelt zu vermitteln.

Der Klempner, Bauingenieur-Student und Vater mit gesundem Menschenverstand und angeborenem Sinn für Gerechtigkeit hat per Zufall festgestellt, dass ein maroder Wohnkomplex, in welchem 820 Menschen daheim sind, bald einstürzen wird. So beginnt seine Odyssee durch die verschneite, nächtliche Stadt auf der Suche nach Beistand und Menschlichkeit. Doch rasch wird ihm klar, dass niemand bereit ist, das Richtige zu tun:  den Notstand auszurufen und die Bewohner zu evakuieren. Die unermesslich korrupten Kleinstadtfürsten nehmen alles in Kauf (das Leben von 820 Menschen, Ermordung ihrer Kollegen), um an der Macht zu bleiben und weiter ungehindert abkassieren zu können.

Auch Dimas Familie ist nicht bereit, einer elementaren menschlichen Logik zu folgen. Für seine Mutter und seine Frau ist er ein Blödmann. Er soll sich besser um die eigene Familie und deren Wohlstand kümmern. Die Anderen sind fremd, und man kann den Systemsumpf nicht durchschauen, geschweige denn bekämpfen. Sogar die zukünftigen Opfer wollen lieber in ihren stinkenden Unterkünften sitzen und nichts gegen das eigene Elend unternehmen. Für sein Heldentum wird Dima auch von ihnen bestraft.  Ursprünglich gab es eine zweite Version des Finales – mit einem Hoffnungsschimmer. Doch der Regisseur hat sich für den absoluten Abgrund entschieden. So wird das Porträt des für viele unbegreiflichen Landes noch schärfer, entsetzlicher und realer.

Gleichermassen speziell wie die Umstände, ist auch die Sprache im Film. Von dem mächtigen Sprachvermögen der weltweit verehrten russischen Poeten ist nicht viel übrig geblieben. Gesprochen wird wie gelebt – rissig, ruppig, rau. Und gewiss kommt kaum ein Satz ohne allgegenwärtigen Mat (das System der russischen Mütterflüche) aus. Im Mai 2014 wurde in Russland ein Gesetz verabschiedet, welches das Fluchen im Kino, auf der Bühne und in der Literatur verbietet. Das Verbot wurde von den Kulturschaffenden als Verbannung des Realismus aufgenommen.  Auch aus diesem Grund hat der dieses Jahr mir dem Film „Leviathan“ auf den Oskar nominierte Regisseur Andrey Zviaguintsev (Golden Globe-Gewinner) die Befürchtung, dass sein Film in der Heimat nie aufgeführt werden wird. Der offizielle Start sollte im Februar 2015 erfolgen. Die Patriarchen der orthodoxen Kirche haben beim Kulturministerium eine Petition mit der Bitte um ein Verbot des Filmverleihs  in Russland eingereicht. Zu viel Unfug werde dort gezeigt! Der Film sei antirussisch und repräsentiere das Böse!

Nun, der Film „Durak“ war kurz  in wenigen  Kinos in Moskau zu sehen.  In Tula, wo die Dreharbeiten stattfanden, wurde er nie gezeigt.  Da es sich in diesen Filmen  um die Gegebenheiten in den Provinzen dreht, weit weg von der Hauptstadt, und da sie internationalen Erfolg geniessen, wird ihre Aufführung von der staatlichen Macht toleriert, aber auf keinen Fall gutgeheissen.

Was den Regisseur mehr beunruhigt, ist die Tatsache, dass sein Zielpublikum – der Durchschnittsbürger – den Film nie zu Gesicht bekommen könnte, falls er am TV nicht ausgestrahlt werden darf („Isvestija“, 20.08.14). Der Kulturminister Medinskuj  hat sich geäußert, dass dieser Streifen den Blick auf Russland verzerre und nur das Schlechte zeige.  Die sowjetischen Politiker waren stets um den Schein und nicht um das Sein bemüht. Die heutigen Führer folgen der gleichen Logik (z.B. beim Sotschi-Spektakel). Nur die Wahrheit sickert meistens durch. Wie es im Inneren des Riesenreiches aussieht, zeigen Filmen wie „Durak“ und „Leviathan“ auf beeindruckende Weise.

Conclusion: „Durak“ bedient keine besonderen künstlerischen Ansprüche. Das war auch nicht Bykows Ziel. Sein Film bezeichnet er selbst als Plakat, Slogan, Schrei („Isvestija“, 20.08.14). „Durak“ (ebenso wie „Leviathan“) liefert Antworten auf die folgenden Fragen: Warum und wie verschwinden die russischen Journalisten, Oppositionelle und Rechtsaktivisten spurlos? Wie weit wird man gehen, um das alte System aufrecht zu erhalten? Was sind die Ursachen der Korruption? Wieso macht das Riesenvolk mit? Bewundernswert ist der Mut der Filmemacher. Sie sind Einige  der Wenigen, die sich im heutigen Russland einen freien Blick auf das Geschehene leisten,  ihre Kameras auf die gravierende Missstände richten, um souverän und konsequent die ganze entsetzliche Wahrheit aufzuzeigen. So viel Zivilcourage muss wenigstens mit unserer Aufmerksamkeit belohnt werden!

Prescription for: family and society, priorities and moral choice, corruption and murder, Russia yesterday and today

Listen to: Calm Night (Spokojnaja Notsch) – Viktor Zoi

Durak (The Fool), Russia 2014, 112 Min. Directed by Jurij Bykow. With Artiom Bystrow, Natalia Surkowa, Juri Zurilo, Boris Newsorow

The genesis of an everlasting cult classic – or why we are always confusing love for admiration?

“You can come through or not, depending on how dark the cloud is. But I think there’s a time when things that used to satisfy you or you thought were important, you realize are not important. Time is running out, the party lights are blinking, there is no more ice in the bucket. And you begin to realize the party will finish very soon in some way or the other”

An diesem Punkt stand der mexikanische Regisseur Alejandro González Iñárritu, 51, nicht vor allzu langer Zeit, wie er dem Filmkritiker Elvis Mitchell in einem Interview verriet. An den gleichen Punkt wie auch Michael Jackson, Leo Tolstoy und Raymond Carver –  und wie wahrscheinlich noch einige, die allenfalls einen kleineren Einfluss auf die Kulturgeschichte gehabt haben – gelangten, als sie das Ende ihres 5ten Lebensjahrzehntes erreichten. Jackson und Carver starben, Tolstoy raffte sich nochmals auf und lebte weitere 30 Jahre. Dasselbe hofft man inständig auch für Iñárritu, dessen Verarbeitung seiner Lebenskrise nun in 2 Wochen in die Schweizer Kinos kommt unter dem Titel „Birdman – The Unexpected Virtue of Ignorance“.

Iñárritu, welcher sich mit seinen bisherigen Filmen (Amores Perros, 21 Gramm, Babel und Biutiful) als ungekrönter Meister des tieftraurigen Zelebrierens der unausweichlichen Niederlagen und Verluste des menschlichen Wesens hervorgetan hat – und sicherlich auch den Rekord hält, mit seinen Werken die definitiv wenigsten Lacher in der Filmgeschichte produziert zu haben (nicht umsonst nennt man seine ersten 3 Werke die sogenannte „Death Trilogy“) – hat sich nun entschlossen, das menschliche Drama als Komödie zu inszenieren. Nach dem Motto, jede Tragödie wird irgendwann komisch, wenn man sie nur genug aufbläht.

Als ich – zusammen mit Daniel Schuler (Miteditor TDS) – im letzten Herbst die Schweizer Erstausstrahlung von Birdman anlässlich des 10th Zürich Filmfestival besuchen ging, war die persönliche Erwartungshaltung eher gemischt. Trotz dem Wissen um die Qualität von Iñárritu (Amores Perros & Babel gehören zum meinen All-time Favourits) war es doch irgendwie nahezu unvorstellbar, dass genau dieser Regisseur sich jetzt auf dem Gebiet des Komischen betätigen würde. Man hätte wahrscheinlich ähnliche Vorbehalte, wenn Woody Allen den nächsten James Bond inszenieren würde (oder diesen spielen würde). Als dann der Produzent von Birdman, John Lesher, welcher im Corso 1 ein kurzes Vorwort hielt, sich dahingehend äusserte, dass sie Birdmann im Frühjahr ’14 in nur einem Monat relativ schnell abgespult haben und Iñárritu auch nicht persönlich in Zürich anwesend sein könnte, da er bereits mit Tom Hardy und Leonardo Di Caprio an den Dreharbeiten zu „The Revenant“ war, dachte ich, nun gut, eine Fingerübung so zwischendurch…hoffentlich wenigstens amüsant. Aber es kam anders. Ganz anders.

Es passiert einem sehr selten im Leben als aktiver Cineast, aber nach ca. 10 – 15 Min. Filmdauer schauten Daniel und ich uns kurz an, da wir beide intuitiv spürten, wir sind da Zeuge von etwas Grossem, etwas Neuem, ja fast schon Ungeheuerlichem. Aber in einem höchst unterhaltsamen und vor allem urkomischen Sinn. Seltsamerweise waren wir, neben der allgemein spürbaren und ungläubigen Bewunderung des Gezeigten, –  wenigstens gefühlt – die einzigen, welche sich in der dortigen Vorstellung förmlich krummgelacht haben. Und man stellte nach der Vorstellung unter dem Publikum eine beinahe andächtige Stimmung fest. Schockiert,  fasziniert und belustig zugleich. Unzählige Menschentrauben standen vor dem Corso, murmelten aufgeregt über das Gesehene. Der Versuch einer Einordnung eines an sich tragischen schockierenden Dramas. Welches zur Komödie aufgebläht wurde.

Michael Keaton, ja genau der, welcher mal in den 80-iger Jahren den Batman verkörpert hat, spielt hier Riggan Thomson, welcher vor 20 Jahren ein internationaler Superstar geworden ist, durch seine Verkörperung des Comichelden Birdman, aber nach 2 Fortsetzungen mehr Anerkennung suchte, Teil 4 ausschlug, und anschliessend in der Versenkung verschwand. Wie Michael Keaton auch (der aber nur eine Fortsetzung von Batman machte). Jetzt ist Riggan Thomson aber zurück, steckt seine ganzen verbliebenen Ersparnisse in die Inszenierung des Theaterstückes von Raymond Carver (siehe Intro) –  „What We Talk About When We Talk About Love“ –, welches er nicht nur inszeniert, für die Bühne umschreibt, sondern darin auch die Hauptrolle spielt. Und dies auf der renommiertesten Theatermeile der Welt, dem Broadway. Das perfekt inszenierte Comeback. Das Zurückgewinnen von Einfluss, Respekt, Erfolg, Macht, Reichtum, Anerkennung…und Liebe. Selbstverständlich, wie oft, wenn man nicht nur von hehren Zielen getrieben wird, kann man sich nicht vollständig auf die Unterstützung des Schicksals verlassen. Sein unfähiger Nebendarsteller im Stück lässt er kurzerhand mittels einem herunterfallenden Requisit auf der Theaterbühne ausschalten, worauf er mit einer existenzbedrohenden Schadenersatzklage konfrontiert ist, der daraufhin engagierte Nachfolger und vermeintliche Glücksgriff für die Produktion, Mike Shiner (Edward Norton), ein arroganter, selbstverliebter Hollywoodstar, welcher nicht nur auf Anhieb das Drehbuch von Riggan hinterfrägt –  obschon er es einwandfrei auswendig kann, auch die Passagen von Riggan – sondern auch in den Proben auf der Bühne richtiger Gin statt Wasser trinkt, seinen Co-Star (Naomi Watts) zum echten Sex auf der Bühne zu animieren versucht (da er es nur noch dort kann), sondern sich auch der Tochter von Riggan, welcher dieser – frisch aus der Reha – als Produktionsassistentin eingestellt hat, annähert. Zudem kündigt ihm die allmächtige New Yorker Theaterkritikerin der New York Times an, dass sie das Stück so oder so in Stücke zerreissen wird, da sie die arroganten Hollywood Typen, welche sich am Broadway profilieren wollen, grundsätzlich als unfähig betrachtet und überhaupt abgrundtief verachtet. Abgerundet wird das Szenario von Birdman selber, Riggan’s dazumalige Superhero-Rolle, welcher ihn niemals wirklich losgelassen hat und neuerdings als seine innere Stimme, Ratgeber und Mahner eine immer dominanter Rolle – wenigstens in seinem Kopf – einnimmt und ihm die Aussichtlosigkeit seines ambitionierten Unternehmens vor Augen führt und ihm anstelle die unzähligen Vorzüge einer möglichen Rückkehr zu einer weiteren Fortsetzung von Birdman unablässig eintrichtert…und es sind noch 3 Tage bis zur Premiere…

“I want to do a film about the theater, in one shot.” Dies war die Grundprämisse von Iñárritu als er die Idee zu diesem Film hatte und er setzte dies – auch nach dringendem Abraten von seinen Produzenten, Mitautoren und auch Kameramann – konsequent um. Ausser der Anfangsszene und dem Schluss, hat man das Gefühl, dass alles in einem flüssigen Shot ohne Unterbruch gedreht worden ist. Hintergrund war die Erkenntnis, welche Iñárritu durch endlose Diskussionen mit seinem Cutter Walter Murch gewonnen hat, dass wir eigentlich unser Leben,  wie einen andauernden Steadicam shot wahrnehmen. „From the time we open our eyes in the morning, we are navigating our lives without editing”. Und genau so soll es sich auch anfühlen.

In dem engräumigen Broadway-Theaterhaus, wo der Film zum grössten Teil spielt, folgt man Riggan, wie er gehetzt durch die Gänge schreitet, hie und da Wortfetzen seinen Schauspielern, Tochter (Emma Stones), Manager (Zach Galifianakis) hinschmeisst, weiterstresst zu den Proben, diese ungeduldig, genervt und manisch absolviert, dann zurückeilt in seine Umziehkabine, dort in die schizophrenen Wortgefechte mit seiner inneren Stimme – also Birdman – involviert wird (wenn er nicht gerade meint, dass die übernatürlichen Kräfte von Birdman auf ihn übergegangen sind und er im Yogasitz im Raum schwebt), die oftmals in der Demolierung des ganzen Mobiliars münden, dann wieder zurück auf den Gang, eilend zu seinem Manager…Unterlegt ist dies alles mit einem ebenso manisch gehetzten, vibrierenden Percusion Jazz von Antonio Sanchez, welcher man plötzlich – ganz nebenbei – hinter seinem Schlagzeug in einer Nische in einem der endlos scheinenden Gänge des Theaterhauses spielen sieht – natürlich den gerade in der Szene benutzten Soundtrack . Man ist Riggan immer auf den Fersen, eigentlich wird man zu Riggan und ist inmitten dieses puren Wahnsinns der Broadway Theaterszene. Natürlich nicht ohne im ständigen Meta-Dialog mit der aktuellen Superheldenmanie im Kino zu stehen, dem Verhältnis von Hollywood zum Theater, dem Selbstverwirklichungs- und Anerkennungswahn der hypersensitiven Kultur-Szene unter dem latent spürbaren Damoklesschwert des Alterungsprozesses, der Endlichkeit der Existenz, der Tatsache, dass die Party bald zu Ende sein wird.

Gemäss dem verantwortliche Kameramann Emmanuel Lubezki (Gravity) ist die ganze Inszenierung des „alles-ist-in-einem-Fluss“ nur eine grosse Illusion, Kameraführung und Bildbearbeitung sind komplett manipuliert, alles ein Trick, der aber in der Kinogeschichte in dieser Form einmalig ist und handwerklich – was Bild, Schnitt und Musik anbelangt, neue Standards setzt. Es sieht alles nach einer improvisierten Spielwiese für durchgeknallte kreative Chaoten Köpfe aus, letztlich wurde aber gar nichts dem Zufall überlassen und ist bis zum letzten Nagel durchperfektioniert. Was die Dreharbeiten extrem schwierig gestaltete. Denn obschon die Drehzeit nur 30 Tage betrug, wurde die ganze Szenengestaltung schon Monate im Voraus in einem leeren Raum choreografiert und akribisch genau geplant. Gemäss Iñárritu war dann der Drehprozess als solcher mit einem Jazzkonzert vergleichbar, da alles im Fluss bleiben und unmittelbar natürlich wirken musste, was aber enorm aufreibend war, da während dem Drehen, jedes Wort, Bewegung und Kamerabild passen musste und die Fehlertoleranz bei null lag, was auch die Darsteller an ihre emotionalen Grenzen trieb.

Was aber letztlich die Leistung aller Schauspieler nur nochmals zusätzlich beflügelte und so für alle Beteiligen (Edward Norton, Naomi Watts, Emma Stones, Zach Galifianakis) ein karrieretechnischer Meilenstein darstellt. Nicht gemessen am Einspielergebnis, sondern – wie im Film verzweifelt gesucht  – gemessen an der künstlerischen Reputation. Eine weitere Vermischung von Film und Realität, da viele der Beteiligten in letzter Zeit genau in diesem Comic-Superhelden Genre zu sehen waren (Norton: Hulk/Emma Stones: Spiderman 2).

Was Michael Keaton hier aber bietet ist pure Magie. Ein Comeback in diesem Ausmass hat es meiner Ansicht nach noch nie gegeben und stellt sogar John Travoltas damalige Rückkehr auf die Leinwand mit Pulp Fiction in den Schatten. Man weiss nicht wirklich, warum dieser Mann in der Versenkung verschwunden ist und auch in seiner Blütezeit, den 80iger, nicht wirklich mit hochkarätigen Produktionen (Beetlejuice?) gepunktet hat. Aber sein Minenspiel, welches innerhalb von Sekunden von purer scheinbarerer Selbstzufriedenheit in manische Aggression, Resignation oder schiere Verzweiflung wechseln und nie, wirklich nie antizipiert werden kann,  ist pure Genialität und trägt massgeblich zur überschiessenden Komik in diesem Film bei. Weil, wie soll wahre Komik entstehen, wenn nicht aus dem wahrlich Unerwarteten?

Für Iñárritu, welcher für diesen Film die Regie für True Detective und Hunger Games ausschlug, ist dieses Werk, wahrscheinlich auch für ihn unerwartet, zum Opus Magnum seines bisherigen Schaffens geworden. Eine Komödie. Sicherlich gehört dieser Mann zu den talentiertesten und feinfühligsten Künstler unserer Zeit, aber wahrscheinlich löste genau seine ganz persönliche Lebenskrise dieses gewisse Etwas aus,  was zu dieser ungeheuerlichen Freilegung von Kreativität beitrug und ihn befähigte, das Timing durgehend so perfekt zu treffen, was Birdman unweigerlich auf Anhieb in den Rang der besten Filme aller Zeiten katapultierte und den Zuschauer effektiv Knockout schlägt. Quasi ein Naturereignis (wer den Film gesehen hat, versteht diesen Nachsatz…)

Zu den besten Freunden Iñárritu‘s gehören die beiden mexikanischen Regisseure Guillermo del Toro (Hellboy & Pans Labyrinth) und Alfonso Cuaron (Great expectations, Gravity), welche sich untereinander in einer schonungslosen offenen Kommunikation mit Rat und Tat bei ihren jeweiligen Filmprojekten zur Seite stehen. So waren die beiden dann auch die ersten, welchen Iñárritu Birdman vorspielte. Was dann passierte schilderte Iñárritu in einem Interview folgendermassen: Guillermo never drinks but after he saw it he said, “I need a fucking drink”. And he got so drunk because he was so shocked and so moved by the film. I had never seen him like that.

Wenn Sie also zur Sorte Leute gehören, die pro Jahr höchstens einmal ins Kino gehen, dann ist die Zeit für Sie schon jetzt im Januar gekommen.

Vorgewarnt sind Sie ja jetzt.

Conclusion: Iñárritu schuf mit seiner Geschichte über einen ehemaligen Hollywoodstar, dessen Karriere sich im freien Fall befindet und sich mit einem Theaterstück am Broadway künstlerisch und finanziell wieder rehabilitieren will, aber durch widrige Umstände und wachsende Selbstzweifel langsam in den Wahnsinn abdriftet, ein Meisterstück von einer solchen kreativen und spielerischen Durchschlagskraft, die einem Faustschlag in die sprichwörtliche Fresse des Publikums gleichkommt. Da aber die Party für uns alle irgendwann langsam zu Ende geht, geniessen wir den Schmerz – amüsiert, fasziniert und irritiert – solange wir noch was fühlen können. Ein Spektakel ohnegleichen. 

Prescription for: sanity, narcissism, parenthood, marriage, creative integrity, artistic legacy, black humour

Listen to: Birdman (Original Motion Picture Soundtrack) by Antonio Sanchez (Artist) – Jazz

Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance), USA 2014, LZ 119 Min., Directed by Alejandro González Iñárritu. With Michael Keaton, Zach Galifianakis, Edward Norton, Emma Stone, Naomi Watts

Kinostart: 29.01.2015 (Deutschschweiz)

And some more unmistakable Crickets in the dark in 2014 by THE DREAMING SHEEP

Locke – Ein Mann sieht sich mit seiner auseinanderbrechenden Existenz konfrontiert und versucht dies zu verhindern. Hinter dem Steuer seines Autos, auf der 80-minüten nächtlichen Fahrt zu seiner Geliebten, die auf der Entbindungsstation in einem Spital liegt. Per Autotelefon. Nacht-Kammerspiel mit Tom Hardy. Kann auch als reines Hörspiel konsumiert werden. Auf jedenfalls eine erstaunlich spannende Erfahrung!

Locke, US/GB 2013, 85 min., from Steven Knight with Tom Hardy,  Tom Holland, Olivia Colman, Andrew Scott, Ruth Wilson

Mommy – Wunderkind Xavier Dalon zum 5ten.  Virtuos inszenierte, hochdramatische Mutter-Sohn Geschichte mit mitreissendem Soundtrack und ungewöhnlichem Arrangement.  Dalon reisst hier sprichwörtlich nicht nur die Leinwand auseinander, er katapultiert den Zuschauer emotional förmlich  aus dem Kinostuhl! Man fragt sich gespannt und doch leicht verängstigt, was dieser Wunderknabe in 10 Jahren für Filme machen wird.

Mommy, CAD 2014, 134 min., from Xavier Dolan with Antoine-Olivier Pilon, Anne Dorval

Ray Donovan – First Season – Ein Problem-Fixer für die Schönen, Reichen und Berühmten in L.A. im Spannungsfeld von seinem zu früh aus dem Gefängnis entlassenen Vater, seiner ihm entgleitenden Familie, seiner traumatischen Vergangenheit und amoralischer Tätigkeit. Dichtes Thrillerdrama mit vibrierender Performances von Liev Schreiber und Jon Voight. Atmosphärisch irgendwo zwischen Michael-Mann‘s „Heat“ , Tarantino‘s „Jacky Brown“ und Eastwoods „Mystic River“ angesiedelt.

Ray Donovan, US 2013, 635 min., created by Ann Biderman with Liev Schreiber, Jon Voight,Paula Malcomson, Eddie Marsan, Dash Mihok

Guardians of the Galaxy – Ein Dieb, der sich „Star Lord“ nennt, ein wütender Bodybuilder, ein schiesswütiger Waschbär und ein Baum, der nur ein Satz sagen kann, kommen in die ungewollte Lage, die gesamte Galaxie retten zu müssen. Sie tun dies untermalt mit 70er- und 80er- Jahre-Oldies die aus einem Kassettenrecorder im Bordcomputer ihres Raumschiff erklingen…äh, genau erraten…ein Feel-Good-Movie für Abende, wo man schon einen sitzen hat oder dies noch beabsichtigt! Zudem wollen wir möglichen Vorwürfen über diskriminierenden Tendenzen vorbeugen und dem umtriebigen Marvel-Studio doch auch eine Erwähnung gönnen.

Guardians of the Galaxy, US 2014, 122 min., from James Gunn with  Chris Pratt, Vin Diesel, Bradley Cooper, Zoe Saldana, Benicio del Toro

The Rover – Für Quentin Tarantino ist dieser australische Cannes Beitrag von 2014 „eine aussergewöhnliche visionäre Leistung und der beste post-apokalyptische Film seit Mad Max“. Und wenn sich jemand mit Kino auskennt ist es Quentin oder? Hypnotisches, karges,  nihilistisches Endzeitdrama mit einem überraschend aufspielendem Robert Pattinson als zurückgebliebener und von Anfang an verlorener „Junge“. Verstörender, aber nachhaltiger Beitrag in der inflationären Sektion der Dystopie-Visionen.

The Rover, AU 2013, 103 min.,  from David Michôd with Guy Pearce, Robert Pattinson

Finsterworld – Habe Sie schon mal Kekse mit von alten Damen entfernter Hornhaut gegessen? Haben Sie schon mal eine Kollegin bei einem Besuch einer KZ-Gedenkstätte spasseshalber in einen Krematoriumsofen eingesperrt? Pflegen Sie eine geheime Leidenschaft für Tierkostüme und schätzen an abgelegenen Orten mit Gleichgesinnten diese zu pflegen und mit diesen im Kostüm zu kuscheln? Würden Sie dies Ihrer Lebenspartner mitteilen? Wenn Sie solche Fragen mit „Ja“ beantworten können oder Sie Geschichten über Menschen interessieren, die diese Frage mit „Ja“ beantworten würden, dann verpassen Sie diese deutsche Perle ja nicht! Immerhin ausgezeichnet mit dem Goldenen Auge beim  Zurich Filmfestival 2013 in der Sektion „besten deutschsprachigen Film“.

Finsterworld, D 2013, 95 min., from Frauke Finsterwalder with Christoph Bach, Margit Carstensen, Jakub Gierszal, Corinna Harfouch.

Winterschlaf: Nuri Bilge Ceylans Film spielt in der Einsamkeit des anatolischen Kappadokiens, wo ein sechzigjähriger ehemaliger Theaterstar mit seiner geschiedenen Schwester und seiner wesentlich jüngeren Ehefrau ein bizarres Höhlenhotel betreibt und  Kolumnen schreibt.  Eine höchst ausgedehnte, meditative Charakterstudie über den Zerfall einer Ehe, den Zustand der derzeitigen türkischen Gesellschaft, aber auch ein Querschnitt über die Fehlbarkeit des Menschen an sich und die generelle Wortlosigkeit, welche auch hinter in den gnadenlosesten Dialoggefechten stecken kann. Verzweifelte Poesie der Frustration und Einsamkeit in der dies wiederspiegelnden trostlosen archaischen Landschaft. Man spürt hier Dostojewksi  und Anton Tschechow in jeder Szene.  Ein Film, der mit 196 Minuten nur was für geduldige Zuschauer ist. Aber wie man ja weiss, den Geduldigen gehört das Leben, die Liebe und vor allem die Kunst! Goldene Palme von Cannes 2014!

Winter Sleep, Türkei 2014, 196 Min, von Nuri Bilge Ceylan, mit Haluk Bilginer, Demet Akbag, Melisa Sözen

http://thedreamingsheep.com/winter-sleep/

Edge of Tomorrow – Zugegeben,  die Story eines  verweichlichten Public Relations Militärberaters, welcher sich plötzlich in einer Art Zeitschlaufe befindet, nachdem er in der Schlacht gegen die Welt einverleibenden Aliens tödlich verletzt wird, hört sich echt dämlich an, genau so dämlich wie auch das Coverbild des Filmes ausschaut und allenfalls genau so dämlich wie manche Leute den Hauptdarsteller dieses Streifens finden mögen.  Falls man aber gezwungen wird, oder aus Versehen in den falschen Kinosaal gelatscht ist, und diesen Streifen gesehen hat, muss man feststellen, dass dies der perfekt  getimte, intelligente Blockbuster ist. Jede Minute spannend,  witzig, emotional mitreissend und – dank einer enorm  attraktiven Emily Blunt – romantisch und sexy. Und die erschütterndste Feststellung: Auch Tom Cruise wirkt hier irgendwie cool und witzig. Da fragt man sich schon, wie mächtig und einflussreich können diese Scientologen eigentlich noch werden? Wie auch immer, ich sage nur: Rock ‚n‘ Roll!

Edge of Tomorrow, USA/GB, SK 2014, by Doug Liman, with Tom Cruise, Emily Blunt, Bill Paxton

At any price: Uraufgeführt zwar schon 2012 als offiziellen Wettbewerbsbeitrag bei der 69ten Ausgabe der Internationalen Filmfestspiele in Venedig ist dieses Drama vom iranischen Regisseur Ramin Bahrani das klassische Beispiel eines Filmes, welcher durch sämtliche Distributionskanäle gefallen und in der Versenkung verschwunden ist. Da die Rezensionen anlässlich der Uraufführung sehr kontrovers waren, kam dieser Streifen schon gar nicht in die Kinos und wurde bei uns erst 2014 als Direct-to-DVD veröffentlicht (deshalb hier jetzt auf der Liste) . Dies zu Unrecht. Das klassische Motiv der Habgier oder dem unnachgiebigen Streben nach Siegen wird hier anhand eines Farmers im mittleren Westen der USA nachgebildet,  welcher den geschäftlichen Ehrgeiz über Freundschaft und auch Familie stellt. Der kürzlich verstorbene legendäre Filmkritiker Rogert Ebert verlieh diesem Werk noch die Höchstnote während kritischere Stimmen wie die “Variety” den Film „als kunstvolles pessimistisches Drama, das man eher bewundern als erfassen kann“ beschrieben.  Sicher ist, dass diesem Film die Aufmerksamkeit – und sei es halt jetzt nur nachträglich – geschenkt werden muss. Unter anderem auch wegen Dennis Quaid, welcher als leicht minderbemittelten, sturen, aber irgendwo doch herzensguter Farmer, die beste Leistung seiner Karriere abrufen konnte.

At any Price, US 2012, 105 min., from Ramin Bahrani with Zac Efron, Dennis Quaid, Heather Graham 

Tracks: Die wahre Geschichte der Robyn Davidson, welche 1977 nur mit 4 Kamelen und ihrer Hündin begleitet, 2700 Kilometer durch die australische Wüste wanderte – finanziert von der National Geographic – ist hauptsächlich ein meditativer Selbstfindungstrip einer jungen Frau, welche ihre Stellung in der Gesellschaft,  sowie auch den Zugang zu Ihren Mitmenschen noch nicht richtig gefunden hat. Die Story ist weder spektakulär noch spannend per se, ist aber so feinfühlig und meisterlich inszeniert,  dass man sehr schnell in das gemächliche Tempo reinkommt und bald auch – wie die Protagonisten – die brutale Einsamkeit aber gleichzeitig aber auch unendliche Schönheit der australische Wüste zu fühlen beginnt und in einen tranceähnlichen halluzinogenen Zustand versetzt wird. Ein bleibendes, sinnliches, fast schon spirituelles Erlebnis mit einer grandiosen Mia Warsikowska.

Tracks, AU 2013, 112 Min. from John Curran,  with Mia Warsikowska, Adam Driver, Emma Booth

The 10 most unmistakable crickets in the dark in 2014 by THE DREAMING SHEEP

Boyhood – Richard Linklater, der cineastische Hohepriester der Darstellung des realen und authentischen Lebens. Eine – bis anhin einmalige – cineastische Langzeitbeobachtung eines Jungen über den Zeitraum von 12 Jahren von seinem sechsten bis 18ten Altersjahr. Sein Aufwachsen und Erwachsenwerden in diversen amerikanischen Vororten in wechselnden Städten zusammen mit seiner Mutter, deren wechselnden – meist alkoholabhängigen – Lebenspartnern, seiner Schwester und seinem von der Mutter getrennt lebenden Vater. Eine Kindheit,  so normal und unspektakulär, dass sich jeder zu einem gewissen Stück darin wiederfinden kann. Und eben, dies nicht mit Effekten oder wechselnden Darsteller inszeniert, sondern wir werden innerhalb von 165 min. Zeuge, wie alle Darsteller inkl. Ethan Hawke und Patricia Arquette 12 Jahre älter werden. Hat nicht ganz die kulturhistorische Relevanz von seinem – vermutlich immer noch nicht abgeschlossenen – Opus Magnum, der „Before-Serie“, ist aber in seiner ganzen Schlichtheit und Wahrhaftigkeit das spektakulärste Werk im 2014.

Boyhood, US 2014,  163 min., from Richard Linklater, with Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke

Le passé – Das Vergangene Der Nachfolger von dem Oscar-Sieger Film „Nader und Simin“ vom iranischen Regisseur Asghar Farhadi  ist ein ungemein feinfühliges, intensives, kluges und schnörkellos inszeniertes Beziehungsdrama, welches – bis fast zum Schluss – auch auf jede musikalische Untermalung verzichtet,  über die Konsequenzen einer Trennung und deren unmittelbare Implikationen auf die Familie, Kinder und die neu eingeschlagenen Beziehungen. Eine Studie über das Akzeptieren von Niederlagen und den eigenen Entscheidungen, wo aber die vergangene Liebe noch jeden Moment wie eine elektrisierende Spannung in jeder Szene schmerzhaft und herzzerreissend zu spüren ist.  Atemberaubendes grosses Schauspiel u.a. mit der wunderschönen Bérénice Bejo (The Artist)

Le passé, F 2013, 130 min., from Asghar Farhadi,  with Tahar Rahim, Bérénice Bejo, Ali Mosaffa 

I Origins – Indi-Film über einen Molekularbiologen und dessen Beziehung zu einem Augenpaar…Atmosphärisch dicht, ungeheuer spannend, visuell berauschend und tief berührend werden hier grosse philosophische Themen um die Widersprüche von Wissenschaft und Religion, Tod und Inkarnation mit einem wahrlich dramatischen Liebesdrama kunstvoll verbunden. Mike Cahill gehört schon jetzt mit seinem 2. Spielfilm nach „Another Earth“ zu einem der vielversprechenden und interessantesten Regisseuren in der gegenwärtigen Filmindustrie. Man wagt es sich kaum vorzustellen, was er für Filme machen würde, wenn er mal mehr als USD 200‘000.– zur Verfügung hätte.

I Origins, US 2014, 116 min., from Mike Cahill, with Michael Pitt, Brit Marling, Astrid Bergès-Frisbey 

http://thedreamingsheep.com/the-eyes-of-sofi-i-origins/

 

Gone Girl – Beginnend als klassischer Thriller, wo eines Morgens die Ehefrau eines wohlsituierten und gesellschaftlich geachteten Ehepaares verschwindet, entwickelt sich der neue Wurf von David Fincher schleichend immer mehr in Richtung eines Psychogrammes eines sich entfremdenden Ehepaares oder der Sezierung des zwischenmenschlichen Beziehungsschemas ganz grundsätzlich, versetzt mit Ansätzen einer Mediensatire, bis er dann über Fetzen von Horror-Slasher Versatzstücken in einem typisch zynisch-perfiden Fincher-Finale mündet… Hochspannend, perfide, abgedreht, verwegen, smart und stylisch, gepaart mit einem gehörigen Schuss schwarzem Humors. Frisch verheirateten, glücklichen oder gar verlobten Paaren wird dringendst vom Konsum dieses Filmes abgeraten!

Gone Girl, US 2014, 149 Min., from David Fincher, with Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris, Tyler Perry

http://thedreamingsheep.com/till-death-do-us-part-gone-girl/

Her – Ein Mann in einer nicht allzu fernen Zukunft verliebt sich in die Stimme seines OS-Betriebssystems und geht eine Beziehung mit ihr ein. Was sich höchst bizarr anhört, artet in Mike Jones bisher ernsthaftesten Films in eine zutiefst poetische, zärtliche und hochintelligente Versuchsanordnung über die Liebe in jeglicher Form aus, losgelöst von konventionellen Schranken und gesellschaftlichen Erwartungshaltungen. Ein Balanceakt zwischen feiner gesellschaftskritischer Groteske über die Einflüsse der ausufernden technologischen Entwicklungen und melancholischer Liebesgeschichte, gespickt mit schonungslos, tieftraurigen Wahrheiten und wahren lyrischen Schönheiten.

Her, US 2013, 126 min., from Spike Jonze, with Joaquin Phoenix, Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde, Scarlett Johansson.

http://thedreamingsheep.com/the-moon-song/

Enemy: So könnte es ausschauen, wenn David Lynch mit David Cronenberg zusammen einen Film inszenieren würde.  Der Geschichtsprofessor Adam Bell, welcher an seinem eintönigen Leben leidet, entdeckt eines Tages einen Nebendarsteller in einem Film, der genau so aussieht, wie er selbst  und macht sich auf die Suche nach diesem. Denis Villeneuve‘s (Prisoners) Umsetzung von dem Roman „Der Doppelgänger“ vom Literatur-Nobelpreisträger José Saramago mit Jake Gyllenhaal in einer Doppelrolle ist elektrisierend, hypnotisch, fremdartig, erotisch, hochästhetisch und spannend. Eine (alb-)traumartige Identitätssuche.

Enemy, CAD/Spanien 2013, 90 Min., from Denis Villeneuve, with Jake Gyllenhaal, Melanie Laurent, Sarah Gadon and Isabella Rossellini 

True detective – Anthologie von HBO, welche vordergründig als klassischer Whodunit Thriller à la „Seven“ konzipiert ist, worin 2 Detektive sich im schwülen Louisiana auf die Fersen eines Serienmörders heften, welcher mit okkulten Ritualmorden in Verbindung zu stehen scheint, aber schlussendlich sich mehr als wortgewaltiges Kammerspiel und Psychogramm der 2 grundverschiedenen Strafverfolger und ihrer beidseitig verbundenen Existenzen entpuppt. Eine Reise in die Abgründe der menschlichen Psyche, welche die bisherigen – jüngst schon stark aufgeweichten – Erzählstrukturen der TV Serien Formate komplett aushebelt und einen bis anhin noch nie gesehenen, konsequent nihilistisch-philosophischen Diskurs fernab von sämtlichen gesellschaftlich festgesetzt moralisch-ethischen Werten führt…aber ohne endgültiger Versperrung für die erlösenden Katharsis. Matthew McConaughey zeigt hier nicht nur die Darstellung seines Lebens, sondern spielt sich hier in den Olymp der besten Acts in der Filmgeschichte schlechthin.

True detective, US 2014, 480 min, from Cary Joji Fukunaga, created by Nic Pizzolatto with Matthew McConaughey, Woody Harrelson, Michelle Monaghan,  Michael Potts.

http://thedreamingsheep.com/katharsis-under-the-sky-true-detectiv/

Under the skin –  Der kryptischste Sci-Fi Film seit Kubricks „2001 – Odysee im Weltraum“ und spürbar assoziativ mit den Werken von Andrei Tarkovsky. 9 Jahre benötigte Regisseur Jonathan Glazer um diesen Film zu verwirklichen und Scarlett Johansson zur Mitwirkung zu überzeugen. Fernab von jeglichem Mainstream und Anbiederung an den Massengeschmack wird hier die Natur des Menschen extraterrestrisch reflektiert und seziert.  Fast ohne Dialog, experimentell in der Form, radikal in der Umsetzung, aber nicht zuletzt eine tief berührende Ode an die Menschlichkeit. Die Anti-These zu den Stimmen, welche die aktuelle Kinolandschaft als repetitiv, vorhersehbar und mutlos bezeichnen.

Under the Skin, GB 2013, 107 min., from Jonathan Glazer with Scarlett Johansson, Jeremy McWilliams

http://thedreamingsheep.com/when-modern-art-meets-cinema-under-the-skin/

August: Osange County –  Allenfalls teilweile leicht überzogenes, aber mit tiefschwarzem Humor durchsetztes und selten amüsantes, intensives Familiendrama über gegenseitige Entfremdung, aufgebaute Abhängigkeiten, falschen Erwartungen und letztlich über die Aufgabe  der individuellen Lebenslügen. Das Pulitzerpreisgekrönte Theaterstück von Tracy Letts (welche auch das Drehbuch schrieb) wird von einem grandios lustvoll aufspielenden Schauspielerensemble angeführt. Neben der wie immer tadellosen Meryl Streep vollzieht hier Julia Roberts den sogenannten „Sandra Bullock – Gravity – Loop“ Effekt. Egal wie unsympathisch und nervig sie in den letzten Jahren gewirkt haben man – privat, wie ihn ihrer dürftigen jüngeren Filmografie – hier zeigt sie endlich wieder einmal, warum sie ursprünglich mal als Superstar auf die internationale Bühne gehievt worden ist. Gerechtfertigte Oscarnominierung 2014 für beide weibliche Hauptrollen.

August: Osange County, US 2013, 130 min., from John Wells with Meryl Streep, Julia Roberts, Chris Cooper, Benedict Cumberbatch, Ewan McGregor

Clouds of Sils Maria: Vor 30 Jahren schrieb Olivier Assayas zusammen mit Andé Téchiné das Drehbuch zu „Rendez-vous“, welcher der Karrierestart der dazumal 21-jährigen französischen Jungschauspielerin namens Juliette Binoche darstellte. Nun, 30 Jahre später ist „La Binoche“ eine Ikone des französischen Film und reiht sich in die Riege mit Catarine Deuneuve, Emmanuelle Beart und Brigitte Bardot ein und macht wieder einen Film zusammen mit Olivier Assayas (welcher diesmal Regie führt) und spielt darin einen Theater- und Filmstar, welche den Kontrapart von ihrer Rolle vor 20 Jahren spielen soll, mit welcher sie dazumal den grossen Durchbruch schaffte. Jetzt aber nicht mehr als 18-jährige Verführerin, sondern als 40-jährige Verführte. Dass ihr dies zu schaffen macht ist  absehbar. Obschon sie eigentlich von der Roller zurücktreten möchte, zieht sie sich in die Schweizer Alpen zurück – eben ins Engadin nach Sils Maria – und probt ihre Rolle zusammen mit ihrer persönlichen Assistentin, welche ebenfalls noch sehr jung ist und man spürt sofort, dass ihre gegenseitige Beziehung über das berufliche hinausgeht, was den Textproben (wo die junge Assistentin logischerweise die Rolle der 20-jährige Verführerin einnimmt) eine doppelbödige prickelnde Note verleiht und das spürbar unausgesprochene Begehren reflektiert. Verkörpert wird die Assistentin von Kristen Steward, welche schon in „On the road“ gezeigt hat, dass sie ihre Rolle in der Filmszene ein wenig anders definiert, als es ihre Fans von „Twillight“ wahrscheinlich gerne hätten. Ein faszinierender, eleganter, raffiniert inszenierter Film, unterlegt mit Händel und Pachelbel , welcher 3 Ebenen (Realität, Fiktion, Fiktion-in-Fiktion) kunstvoll miteinander verwebt und mit Binoche und Steward ein hochkarätiges Schauspielerinnen-Generationenduell der Extraklasse bietet. Zudem der erste internationale Film, welcher effektiv die Schweiz als Kulisse hat (kurze Ausflüge von James Bond oder Verblendung von Fincher zählen nicht).

Clouds of Sils Maria, D/F/CH 2014, 124 Minuten, from Olivier Assayas, with Juliette Binoche, Kristen Stewart, Chloë Grace Moretz